10/10/2009

Modern Talking


modern talking:

Modern Talking fue un duo alemán de synthpop consistente del cantante Thomas Anders y el compositor/productor Dieter Bohlen. Han sido clasificados también como Europop. Por ventas, es el grupo pop más exitoso en Alemania, con más de 120 millones de discos vendidos.[1] El estilo musical fue en gran medida influenciado por melodías pegadizas y ritmos con letras en inglés


El comienzo de Modern Talking:

principios de la década de 1980, el productor y compositor Dieter Bohlen y el cantante nacido como Bernd Weidung Thomas Anders se reunieron. Ésta fue la primera vez que Bohlen producía para otros, pero no tuvieron mucho éxito. Un segundo intento con la esperanza de tener éxito, se unieron, formando un dúo. BMG no invirtió mucho en el proyecto. Los primeros videos producidos a bajo costo por el grupo fueron exhibidos. En el primer vídeo musical, el dúo apareció sólo en una sala llena de niebla llena de luces de colores. La portada del primer disco también salió sin la producción de una gran fotografía.

Se volvieron inesperadamente inmensamente populares con su single hit Europop You're My Heart, You're My Soul (véase: Historia de "You're My Heart, You're My Soul") con el que ocuparon la posición del número uno en 35 países[2] incluyendo su país de origen donde estuvo en la cima por seis semanas, el single vendió ocho millones de copias mundialmente.[3] Para su éxito contribuyó el video musical filmado en los estudios del recién lanzado RTL Plus en Luxemburgo.

Thomas Anders llevaba un largo pelo negro y rizado, ropa de colores y a menudo, asistía a un solarium, y llevaba los labios color rosa brillante. Dieter Bohlen iba a menudo a solarium también, tenía un (típico de la época) peinado Mullet y vestía trajes. En éste aspecto, se decía que los miembros de Modern Talking eran gays.

"You're My Heart, You're My Soul" fue seguida por otro hit número uno You Can Win If You Want en la mitad de 1985 del disco The First Album. El disco fue certificado platino en Alemania.[3]

Poco después del segundo hit, Modern Talking lanzó el single Cheri Cheri Lady que rápidamente escaló hasta la cima como las otras, y siendo el único single lanzado de su segundo disco Let's Talk About Love, que impulsó al disco a platino en Alemania.[3]

Melodía y acordes de "You Can Win if You Want".

En 1986, el tercer disco "Ready for Romance" fue lanzado, del que "Brother Louie" (no confundir con la canción de Hot Chocolate) y "Atlantis is Calling (S.O.S. for Love)". Como los singles anteriores, ambos llegaron al número 1 en Alemania, siendo estos sus últimos. Sólo el grupo Sweet ha superado a Modern Talking en números uno en Alemania.

En 1986 también apareció el disco "In the Middle of Nowhere", del que se lanzó "Geronimo's Cadillac" (alcanzó el #3 en las listas alemanas) y "Give Me Peace on Earth" (que llegó al Top 30).

"Romantic Warriors" fue publicado en 1987, alcanzando el Top 10 en las listas alemanas de LP, y también así lo hizo el único single extraído del disco "Jet Airliner". Más tarde ése año, se lanzó el disco "In the Garden of Venus", que no alcanzó el Top 30. El único lanzamiento en single, "In 100 Years", sólo alcanzó el #30 en Alemania.

Durante esta era Modern Talking fueron exitosos en Europa, Asia, América del Sur, Medio Este, particularmente en Iran, donde toda la música pop del oeste fue prohibida después de la revolución Islámica de 1979, y también en varios países africanos. En Inglaterra entraron al top ten sólo con la canción Brother Louie (#4 UK en 1986).[4]

Pocos meses después de la separación del dúo, la etiqueta "Dino" concesionó las licencias para discos "Best of" del grupo, que hasta ahora, han llegado varios a los Top 20.

Como la mayoría de los grupos pop europeos, eran casi desconocidos en Norteamérica, nunca aparecieron en las listas de Estados Unidos, y se volvieron one-hit wonders en Canadá cuando Brother Louie alcanzó el #34 en 1987. Lanzaron dos discos cada año entre 1985 y 1987 mientras publicitaban sus singles en televisión en toda Europa eventualmente vendiendo 65 millones de grabaciones en tres años,[5] antes de que la banda se separara debido a conflictos internos. Se cree que fue debido a la esposa de Thomas Anders, Nora Balling - como Yoko Ono con The Beatles - que había interferido fuertemente en los asuntos de la banda. Dieter Bohlen prohibió a Anders que cambiara actuaciones específicas y que cambiara su imagen.[6]

Entre 1987 y 1998 [editar]

Después de que el dúo se separó en 1987, Bohlen formó su propio proyecto Blue System inmediatamente después de separarse y obtuvo muy buenas posiciones en las listas con canciones como Sorry Little Sarah, My Bed is Too Big, Under My Skin, Love Suite y Déjà Vu. Anders se volvió solista y grabó su nuevo material parecido al pop en Los Angeles y Londres, y también en su país nativo. Como artista solista, Anders hizo conciertos en lugares como Moscú, Sun City, Hong Kong y Viña del Mar en los que cantaba canciones de sus discos solistas, y mientras tanto dejaba a sus leales fans con su material de Modern Talking. Anders grabó cinco discos en inglés Different, Whispers, Down on Sunset, When Will I See You Again y Souled y uno en español Barcos De Cristal. Todos con su avanzada entrega vocal en cada disco que grabó; sin embargo, encontró más éxito en países extranjeros que en el suyo. Dejando todos los mal entendidos y riñas que Dieter y Thomas tuvieron entre ellos en el pasado, Anders y Bohlen comenzaron a tenerse en contacto después de que Anders volviera a Koblenz, Alemania en 1994.

La Reunión: 1998–2003 [editar]

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Thomas Anders y Dieter Bohlen en la carátula trasera de "America", 2001.

La compañía discográfica Sony BMG quería publicar más música de Modern Talking, que era un "mejor plato". Dieter Bohlen durante años se opuso a ella. En 1997 se le ocurrió una idea, en lugar de publicar un nuevo disco de Blue System, prefirió producir un disco completamente nuevo de Modern Talking y revivir de nuevo. Contactó con Thomas Anders y se pusieron de acuerdo.

A comienzos de 1998 el dúo se reunió por segunda vez, y tuvieron su primera interpretación juntos en marzo en el más grande show de TV alemán Wetten, dass..?. Su primer disco de regreso "Back for Good" que incluyó cuatro nuevas canciones además de todos sus anteriores hits remezclados con modernas técnicas no sólo se quedaron en la posición número uno en Alemania por cinco semanas consecutivas sino que llegaron al número uno en otros 15 países,[5] eventualmente vendiendo seis millones de unidades mundialmente.[2] En los primeros 6 singles del grupo después de su regreso con el rapero Eric Singleton. Ganaron el premio en los World Music Awards por ser la Banda Alemana Con Mejores Ventas ese año.

Tras el regreso, se produjeron videoclips, conciertos y actuaciones más sofisticadas.

El disco siguiente "Alone", que en contraste con "Back for Good", sólo tenía temas nuevos. También escaló al número uno en Alemania y fue muy exitoso también. Se lanzaron los singles "You Are Not Alone" y "Sexy, Sexy Lover", llegando ambos al top 20.

Bohlen siguió su patrón de Modern Talking de los años 1980 de lanzar dos singles de cada disco de nuevo como en el pasado.

En 2000, el año del dragón en el calendario chino, fue lanzado el disco "Year of the Dragon". El primer single del disco fue "China in Her Eyes", que alcanzó el Top 10. El segundo fue "Don't Take Away My Heart", que alcanzó sólo el Top 50.

Después de la salida a la venta de Year of the Dragon Bohlen despidió a los antiguos cantantes de apoyo, Rolf Köhler, Michael Scholz y Detlef Wiedeke, reemplazándolos por Christoph Leis-Bendorff, William B. King y el famosísimo cantante alemán Nino de Angelo.

En 2001, fue lanzado "America", el décimo disco de Modern Talking. El primer single lanzado fue "Win the Race", usado como música de fondo de la temporada de Fórmula 1, llevando el título apropiado, ganar la carrera. Llegó al quinto lugar en las listas. La segunda extracción, "Last Exit to Brooklyn", sólo llegó al #37.

"Victory" fué publicado en 2002, que contenía el single "Ready for the Victory", música de fondo para la Fórmula 1. El segundo single "Juliet" fué inspirado por la música disco de la década de 1970.

A principios de 2003 se lanzó el single "TV Makes the Superstar", del disco "Universe". En las letras, Dieter Bohlen se refirió a su experiencia en el programa Deutschland sucht den Superstar, donde trabajó como miembro del jurado.

En junio de 2003, antes del lanzamiento de otro disco, Modern Talking se separó de nuevo. Ya en el comienzo del Universe-Tournee, Dieter Bohlen anunció el 7 de junio de 2003 durante el concierto de Rostocker frente a 25.000 personas, que Modern Talking terminaba.

El involucramiento de Bohlen en Deutschland sucht den Superstar, la edición alemana de Pop Idol, fue una de las mayores razones y dijo que sabía que era lo mejor parar que seguir en la cima.

El 23 de junio de 2003 apareció "The Final Album: The Ultimate Best of...". Esta separación fue acompañada de una nueva controversia, por las declaraciones que Dieter Bohlen hizo sobre el cantante Thomas Anders en su autobiografía, Hinter der Kulissen (Detras de escenas), provocó. Entre otras cosas, Thomas Anders fue acusado de haber tomado ilegalmente el dinero del fondo de la banda. Después de un proceso en un tribunal apropiado, desde mediados de 2004 esta afirmación no puede repetirse.[7]

En los cinco años de regreso (1998-2003), Modern Talking vendió más de 60 millones de discos. En general, en los 10 años de existencia del grupo, se vendieron cerca de 120 millones de discos, lo que hace de Modern Talking la banda más exitosa comercialmente de Alemania.[8]

En la banda sonora de "Dieter - Der Film", lanzada el 3 de marzo de 2006, apareció "Shooting Star", una canción inédita de Modern Talking. En ella se usaron trozos de la voz de Thomas Anders junto a una melodía similar. La mayor parte de la voz de Thomas Anders fue extraída de "Don't Take Away My Heart". Debido a que ya había pasado mucho tiempo de la separación de la banda, sólo aparecieron los típicos coros altos, ya que Thomas Anders no estaba disponible para esta producción.

Éxito y críticas [editar]

Modern Talking fueron exitosos, especialmente en Europa continental, Asia, América del Sur, Australia y algunos países africanos. En Estados Unidos nunca aparecieron en las listas, aunque a veces hacían apariciones para inmigrantes europeos.

A los críticos de música no les entretenía Modern Talking, y dio a la banda, por su música y su aspecto, casi sólo críticas negativas. Aunque en algunas fue la producción profesional y el catchiness reconocido, fue la falta de originalidad lo más representativo, siguiendo los pasos de bandas británicas como Pet Shop Boys y Erasure. En particular, la crítica fue que muchas de las canciones suenan bastante similar, un hecho que el sello admite también con franqueza: "No discutimos que el sonido de todos los éxitos de Modern Talking es muy, muy similar. Sabemos que muchas canciones de los discos, cada una de ellas, suena como la anterior."[9]

Hay una variedad de remixes diferentes y versiones cover de las canciones de Modern Talking en diferentes idiomas y estilos musicales. Así pues, existe una versión orquestal de James Last de "You're My Heart, You're My Soul".[10]

Música [editar]

La inspiración de Dieter Bohlen para las canciones de Modern Talking fue el synth pop, especialmente del coro de la canción Precious Little Diamond por Fox the Fox, donde vio la fuerte emoción de la música disco, que quería probar de manera similar. Se aferró al sonido eurodisco.

Recibió también influencias de la música en alemán Schlager, el disco pop (Bee Gees) y canciones románticas en inglés de origen italiano y francés, como I Like Chopin de Gazebo. Después de la reunión de 1998 Bohlen produjo eurodance, y baladas en estilo americano MOR.

La mayoría de las canciones como "Brother Louie" se basan en una constante de tambor en un mismo patrón y bajo. Existen también interjecciones de piano o teclado, y ritmos de sintetizador. En "You're My Heart, You're My Soul", por ejemplo, se registran acordes cambiantes rápidamente en 16 tiempos y 8 tiempos. Añadido a esto, "Geronimo's Cadillac", muestra guitarra eléctrica y riff de sintetizador.

A menudo, se le debe a Dieter Bohlen el usar en canciones de Modern Talking siempre un sonido pop más convencional y también de Punk rock "de tres acordes". La mayoría de las canciones se basan en un mínimo de seis cuerdas, y especialmente en los primeros éxitos de Modern Talking que, en su mayoría, se usaban menos acordes en primer plano. La mayoría de las canciones están compuestas en 4/3 de ciclo, sin embargo, algunas canciones se basan en 3/4 o 6/8, como en "Win the Race", donde ritmos shuffle fueron usados.

Después de la segunda reunión, se basaron de acuerdo a la moda pop, típico del sonido eurodance de la década de los años 1990.

En 1986, la única balada lanzada como single, "Give Me Peace on Earth", fue un fracaso, por lo que no se lanzó más una balada como single.

Vocal [editar]

Modern Talking tenía unos falsetes muy altos que sonaban siempre después o junto a la voz Schlager de Thomas Anders.

La interpretación de Dieter Bohlen es motivo de controversia. En 2001, los tres cantantes de estudio de Bohlen, Rolf Köhler, Detlef Wiedeke y Michael Scholz, que habían interpuesto una demanda ante el tribunal de Berlín, resultó en una indemnización de 100.000 marcos alemanes. Los músicos fueron tomados como dementes. Hasta el 2004, el cantante Nino de Angelo fue el responsable de la voz alta característica en los coros de Modern Talking. El dúo parecía ser un sexteto. Hasta 1987, el cantante de estudio Birger Corleis estuvo involucrado con las producciones. Para los tres últimos discos, fueron contratados tres nuevos cantantes.

Textos [editar]

La letra de las canciones de Modern Talking se caracteriza por ser "desordenada" y fácil. Bohlen hablo de cómo creó "You're My Heart, You're My Soul" en su autobiografía: "Admito que no sabía que sería un éxito en todo el mundo, pero sólo me tomó medio minuto escribir la letra. El pop toma más tiempo. Fijar a Thomas como cantante fue similar".

Con frecuencia, frases estereotipadas salían en las canciones, como por ejemplo, "Boulevard of Broken Dreams" de "Geronimo's Cadillac". Algunas veces, contienen pequeñas historias (como "Brother Louie"), en las que colaboraba el co-productor Luis Rodríguez. La letra de las canciones resaltaba por un "amor en gran medida" ("Cheri, Cheri Lady", "Querida, Querida Dama") ó "los beneficios" ("Win the Race": "Ganar la carrera"; "You Can Win if You Want": "Puedes triunfar si quieres").

Videos musicales [editar]

Los vídeos musicales de Modern Talking en la década de 1980 estuvieron dominados por la niebla, luces de colores y formas geométricas claras, tales como esferas, cuboides, pirámides, etc. Una característica especial del vídeo musical de "Brother Louie" es que fueron tomadas escenas de la película "Érase una vez en América" para rellenar.

Los vídeos musicales producidos después de la segunda reunión de la banda, mostraron bailarines, escenas animadas por computador, y fueron significativamente más caros y difíciles.

Medios de comunicación [editar]

Modern Talking aparecía con frecuencia en los medios de comunicación. En parte, por esto tuvieron el gran éxito, pero en parte también a la cobertura de los medios de comunicación de los dos miembros. Así, Dieter Bohlen recientemente alcanzó una gran popularidad a través de su asiento en el jurado del exitoso programa de televisión Deutschland sucht den Superstar y Thomas Anders como presentador del programa de música Best of Formel Eins.

Modern Talking estaban constantemente expuestos a los ataques por su música, que derivaron en numerosas parodias. Una popular parodia fue por la cadena de Thomas Anders que decía NORA (un regalo de amor y testimonio de su ex-esposa Nora Balling), que en realidad era muy grande y muy visible, por lo que fue caricaturizado con parodias de gran tamaño. Dieter Bohlen respondió a las bromas de la siguiente manera: "Estas personas sólo pueden hacer bromas sobre alguien que conocen bien, todo el mundo sabe lo mismo sobre Modern Talking".

En "Unsere Besten zum Thema Die größten Musikstars" (Lo mejor de las mayores estrellas de la música de todos los tiempos), transmitido por ZDF, fueron ubicados en la posición 13.[11]

Carreras solistas [editar]

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Carátula de Anything, de Blue System (en el disco "Here I Am", de 1997).

Dieter Bohlen también trabajó con otros artistas mientras Modern Talking existía, algunos de ellos como Chris Norman de Smokie cuya canción Midnight Lady (1986) permanece como la composición más popular de Bohlen. Escribió un gran número de canciones disco para C.C.Catch (House of Mystic Lights) usando un acelerado y menos romántico sonido. Algunas de las canciones en inglés de Bohlen como You're My Heart, You're My Soul fueron también grabadas con letra en alemán por Mary Roos usando las mismas pistas instrumentales. Cuando Modern Talking se separó en 1987, un número de canciones escritas para el último disco fueron movidas al primer disco solista de Dieter Bohlen, el que apareció casi al mismo tiempo, junto a su primer single solista Sorry Little Sarah. El proyecto solista de Bohlen fue llamado Blue System, en el que estaba él, el co-productor de Modern Talking Luis Rodriguez y los cantantes de apoyo, Rolf Köhler, Michael Scholz y Detlef Wiedeke.

En 2006, Bohlen incluyó un mensaje secreto en su canción Bizarre Bizarre la que tocada invertida decía: "There will never be an end to Modern Talking" ("Nunca habrá un fin a Modern Talking"). Sin embargo, Bohlen dijo: "Quería decir que la música de Modern Talking vivirá por siempre".[12] Anders dejó las canciones de Modern Talking en su repertorio y produjo canciones en ritmo similar para sus canciones solistas, como Independent Girl. En 2006 produjo el disco Songs Forever con versiones swing y jazz de canciones populares (incluyendo el primer éxito de Modern Talking). Bohlen escribió dos libros autobiográficos, uno de los cuales detallo la historia de Modern Talking desde su perspectiva, y vendió un millón de copias en Alemania. La secuela fue altamente criticada por descalificaciones a las personas que trabajaron con él. Como resultado, se alejó del público por un año hasta 2006, cuando dijo que lanzaría un segundo libro. Anders no fue el único en poner cargos en contra de Bohlen y demandando que secciones del libro deberían ser modificadas. Frank Farian se enojó con la salida literaria de Bohlen y lanzó un libro en el que trató de exponer a Bohlen como un fraude, pero esto no defraudó al público sin embargo.[13] El primer libro de Bohlen fue la base de una película animada de comedia, llamada Dieter - Der Film. La banda sonora de la película contenía una canción no lanzada previamente de Modern Talking llamada Shooting Star, que había sido compuesta para el disco Universe. Anders recientemente tuvo su primer hijo y Bohlen su cuarto.

Discografía [editar]

Album [editar]

Singles [editar]

Premios [editar]




10/04/2009

historia de italo dance


El Italo disco es un término que refiere a varios tipos de música disco, pop, y dance europea que fue desarrollado durante la década de 1980 en Italia, Alemania, España, y otras partes de Europa. Durante los años 80, el término "Italo-disco" se usó en Europa para describir todos las producciones de música dance no basadas en el Reino Unido, incluyendo algunas de Canadá. En el Reino Unido y los EEUU, el Italo-disco fue prácticamente desconocido para los consumidores. En este tiempo, muchos DJ's italianos comenzaron a experimentar con los teclados, con apenas un dedo y después a elevar la velocidad, inspirándose en el sonido disco americano y muy influenciados por la nueva ola británica de grupos como O.M.D. Human League, Yazoo... pero con esa melodía especial que la caracterizó, sobre todo a partir de 1983 cuando los "Summer Hits" invadieron la escena dance con temas de RYAN PARIS, KANO, MY MINE, P.LION, BALTIMORA, MIKO MISSION, KEN LASZLO...
A partir de 1985 la historia continúa cuando en muchas emisoras de radio FM empezaron a pinchar esas canciones que enganchaban a la primera y comenzaron a ganar terreno a los oídos de los Clubber's de Europa, Florida, Japón... Para intentar definir, ¿qué es la música Italo Disco? lo primero y más obvio sería decir que era la música disco que se hacía en Italia a mediados de la década de los años 80. Pero tratando de definir el estilo en sí, digamos que la base instrumental se caracterizaba por ser muy melódica. En los inicios de este estilo era habitual la inclusión del piano, lo cual ayudaba a crear una atmósfera más melancólica, especialmente en aquellos temas más lentos o de medio tiempo. Por último indicar que la franja de velocidad estaba situada entre los 100 y 150 b.p.m.Haciendo una breve reseña histórica, las primeras producciones de música disco italianas, entre finales de los 70 e inicio de los 80, seguían las directrices de los estilos que entonces estaban de moda, el Disco y Funky, así como los nuevos estilos que surgieron al principio de la década de los 80, como la música electrónica y el Tecno-Pop entre otros. Aunque pueda parecer lo contrario, el Italo-Disco no tuvo una gran repercusión en su país de origen. Sin embargo, ello no significa que algunos temas no estuvieran presentes en las listas italianas. Este fue el caso, entre otros, de "Masterpiece" y "I Like Chopin" de Gazebo, "Happy Children" de P. Lion, "Dolce Vita" de Ryan Paris, "Self Control" de Raf, "People From Ibiza" de Sandy Marton, "Comanchero" de Moon Ray, "Mad Desire" y "Future Brain" de Den Harrow, "The Night" de Valerie Dore, "Looking for Love" de Tom Hooker y "Easy Lady" de Spagna...
Para conocer un poco más sobre los orígenes del Italo-Disco, te recomiendo encarecidamente que leas el siguiente articulo, muy interesante:
La música disco es un estilo infravalorado pero en el que hay mucho que descubrir y disfrutar. En 1974, la música disco era un fenómeno underground, pero sólo 3 años después, todo el mundo la bailaba con John Travolta. Aunque la música disco fue uno de los fenómenos musicales populares más prominentes de la década de los 70, nunca recibió el crédito que merecía. Aún hoy, sigue conservando un halo cutre y kitsch, y pocas personas creen que merezca la pena bucear en este estilo musical para encontrar joyas “avant-garde”. El disco es un estilo "up-tempo" de la música dance de los años 70, especialmente el soul y el funk, y en sus comienzos se hizo popular entre las audiencias afro-americanas y gays de EEUU. La palabra "disco" viene del francés "discothèque", que a su vez es una mezcla entre "disc" y "bibliotèque" Las discotecas nacieron en el París ocupado durante la II Guerra Mundial. Los nazis prohibieron los clubs de jazz y de baile, de modo que la gente iba a locales ilegales a escuchar y bailar música grabada. Uno de esos clubs ilegales, situado en la Rue Hachette, se llamaba “La discothèque”. Más tarde Paul Pacine abrió el club “Whiskey a Go-Go”, donde la gente bailaba discos pinchados por disc-jockeys. Estos clubs fueron evolucionando y extendiéndose por toda Europa en los años siguientes. Pacine abrió en 1960 el club Chez Régine, donde acudía toda la “gente guapa” de la ciudad y la “jet-set” de otros lugares del mundo. Entre ellos también había norteamericanos, quienes, inspirados en el club parisino, abrieron en Nueva York “Le Club”.
Este club no duró mucho, porque enseguida hubo otro que se puso más de moda: el “Peppermint Lounge”. Antes de que la música disco existiera, el vocablo “discotèque-records” se usaba para hablar de la música que se pinchaba en los clubs privados y fiestas “alter-hours” de Nueva York como “The Loft” y “Better Days”. La música en cuestión era una mezcla de funk, soul e importaciones de Europa, la misma música que por aquella época pinchaba el DJ jamaicano Kool Herc en la primitiva escena Hip-Hop. Esa música recibe el nombre de “proto-disco”. El primer 12” fue en realidad un 10”. A mediados de los 70, el DJ Tom Moulton iba a los estudios de Media Sound Records a solicitar acetatos de las últimas novedades. Estaba como loco por conseguir lo último de Al Downing, un tema titulado “I’ll be holding on”. Al técnico de la discográfica, José Gonzalez, no le quedaban discos de 7”, así que Tom le dijo que le planchara el disco en un 10”. “¿Cómo voy a planchar un tema tan corto en un disco tan grande? ¡Es ridículo”- dijo José. Entonces se les ocurrió subir el nivel del sonido hasta +6. El resultado sorprendió a todos.El primer 12” oficial fue la grabación de First Choice “Ten Percent”, editado por el sello Salsoul en su inconfundible formato de 12”. A partir de este momento, cambiaron muchas cosas en las pistas de baile Los tiempos cambiaron, las drogas cambiaron (la droga “disco” por excelencia era el “Poppers”), y nuevos clubs como el “Paradise Garage” abrieron sus puertas; había nacido el maxi de 12”. Por primera vez en la historia, se componían y producían las canciones con la palabra “discoteca” en mente. Los dorados años del disco terminaron con sus audiencias gays diezmadas por el SIDA.
Los sellos de mayor calidad de ésos años son Salsoul, Prelude y West End. No se puede decir que la música disco fuera un fenómeno estrictamente gay (y por tanto vedado a las mujeres, que tenían prohibida la entrada en muchos clubs), pero hay muchos gays famosos en esta escena musical, como Silvester, Giorgio Moroder y Patrick Cowley. La música disco supone también el surgimiento de las “disco divas”, grandes cantantes de soul, funk o R&B, que trabajaban codo a codo con los productores grabando impresionantes partes vocales. Algunas de las más grandes son Loleatta Holloway, Taana Gardner, Gwen Guthrie, Aretha Franklin, o Gloria Gaynor. Podemos encontrar sus partes vocales en grabaciones bajo títulos como Double Exposure, Inner Life, Musique, etc. Estas vocalistas sobrevivieron a la era disco y algunas de ellas siguen trabajando con productores de house, acid jazz, etc. Sin embargo, una vez más, encontramos a pocas mujeres en el terreno de la producción musical, que sería el ámbito de mayor poder. Los 70 también vieron florecer el fenómeno del “gay clubbing”, que se convirtió casi en una religión, en un estilo de vida para muchos gays de grandes ciudades norteamericanas. La imagen “camp” y “glam” que el “gay-clubbing” imprimió a la música disco, hizo que a mediados de los años 70 se percibiera como la música de negros, gays y mujeres de clase obrera. Precisamente esos sectores no estaban representados entre la elitista clase de críticos de rock, que rechazaron de entrada este estilo tachándolo de poco serio. También hubo una reacción de intolerancia machista y racista en Gran Bretaña y EEUU llamada “Disco sucks” (el disco apesta). Era una campaña en contra de la liberación gay y el orgullo negro. Los pro-hombres del rock reclamaban su blanca hegemonía, que, por primera vez, veían en peligro. En la publicación inglesa “The Young Nationalists”, se advertía a sus lectores de la necesidad de luchar contra este estilo de música y su “pseudo-filosofía”, a no ser que se quisiera que las calles de Gran Bretaña se llenaran de “negros y maricones”.
En 1979 (un año antes del cierre de Studio 54), se celebró en Chicago la “Disco demolition night”, en el que cientos de fans del rock quemaron vinilos al grito de “disco sucks!” En 1974 el productor Meco Monardo contrató a la entonces desconocida Gloria Gaynor para grabar un par de temas, “Honey Bee!” y “Never can say goodbye”. Hasta aquí nada de particular: no era más que una de las muchas sesiones que se sucedieron en los Media Sound Studios de Nueva York. Pero cuando llegó el momento de hacer la mezcla, Monardo tomó una decisión revolucionaria: en lugar de dejar la sección rítmica como acompañamiento –la práctica entonces más habitual-, subió los canales del bajo y la batería y los colocó en primer plano, para así dejar atrás la orquesta y la voz de la cantante. El resultado fue sorprendente: había nacido el primer hit de la era disco. El advenimiento de la música disco marcó la caída de los conjuntos de baile. La música de los 70 ya venía marcada por el “groove”, pero el disco enfatizó por encima de todo el “beat”, incluso por encima de la voz y de la canción. Los DJs de los mencionados clubs gays de Nueva York pinchaban discos de soul y funk con una fuerte base rítmica y groove (proto-disco). Esos discos se convertían en éxitos y después se pasaban por la radio y vendían muchas copias. De este modo, las casas discográficas empezaron a producir discos específicamente para la pista de baile. Esos discos también tenían una fuerte componente pop, de forma que llegaran a un gran público. Los albums no tenían muchas canciones, y los “singles” aparecían en formato de 12”, con versiones extendidas para facilitar la remezcla. Con esa intención de la mezcla, los discos marcaba también las cantidades de “bpm” (beats per minute). Así, los beats de la música disco llenaron las listas de éxitos y todos los artistas, incluídos los de rock, grabaron canciones “disco”. Sin embargo, la música disco era un medio de productores, ya que ellos escribían las canciones y creaban los temas. “Sólo cuando la ocasión lo requería es decir, cuando el tema era ya un éxito, se podían reclutar unas caras bonitas o unos cuerpos atractivos, esbeltos y/o musculazos para que prestaran su imagen al producto. Tal fue el caso de Boney M: Liz, Marcia, Maite y Bobby no eran más que el rostro público de las creaciones del alemán Frank Farian. Símbolo del éxito (ciento cincuenta millones de copias vendidas en todo el mundo de hits como “Rasputin” o “Daddy Cool”), Farian se convirtió en el ejemplo a imitar. El francés Jacques Morali contraataco con Village People, un sexteto histriónico (se disfrazaban de camioneros, policías, sioux y demás iconografía kitsch), que pretendió ejemplificar el joie de vivre del colectivo gay.
Larry Levan fue el primer “DJ-estrella”. Se movía entre los géneros disco, house y garage. Durante 10 años reinó en la corte del club “Paradise Garage”, uno de los más importantes de la historia del disco. Muchos DJs de éxito confiesan que la exposición a la música pinchada por Larry Levan en el Paradise Garage cambió sus vidas y les inspiró en sus respectivas carreras. Levan también está considerado el primer DJ en introducir la estética del dub en la pista de baile y el primero en mezclar un amplio y ecléctico abanico musical: “Levan tenía un control absoluto sobre la pista de baile y un estilo único en las transiciones. Combinando diversos estilos y tempos conducía al público a un frenesí total a través de sus eternas mezclas, y usando varias copias del mismo disco podía crear verdaderas remezclas en directo, sobre las que iba alternando efectos de sonido. Como decía en Internet un habitual del club, “la mejor noche de mi vida fue en junio de 1984, cuando Larry pinchó “Music is the answer”, de Colonel Abrams durante toda una hora Con la llegada de los 80, más que morir, la música disco mutó en otros géneros como el “dance-pop”, el hip-hop, el house y el tecno. Se evolucionó hacia sonidos más electrónicos, dando origen a la actual música “house”. Es en estos momentos de transición o “crossover” donde encontramos algunas de las piezas más interesantes. Sin embargo, el house en sus inicios no bebió sólo de la música norteamericana.
En los clubs de Nueva York y Chicago eran muy populares artistas electrónicos británicos como Depeche Mode o Soft Cell y otros de corte más disco como Giorgio Moroder o Klein & MFO; también alemanes como Kraftwerk, belgas como Telex, y miles de producciones de baile italianas (italo disco). El Paradise Garage, en NY, y el Warehouse en Chicago (presidido por Frankie Knuckles), rompieron con las barreras de la raza y la opción sexual (hasta entonces, negros y blancos, gay-les y heteros se divertían segregados), y pusieron el acento en la música. La música que se pinchaba en estos clubs era tan variada como su clientela: música negra basada en el r’n’b, y música disco aderezada con cosas tan diversas como el “Magnificent Seven” de The Clash. Otra mutación de la música disco fue el “no wave”, mezcla de disco y punk. En el verano del mismo año en que se abrieron el Warehouse y el Paradise Garage, 1977, las revistas norteamericanas hablaban de un nuevo fenómeno musical llamado “punk”. A caballo entre el ruido punk-rock y el disco, la escena “no wave” vivió una corta etapa en NY, en estrecho contacto con la escena artística de vanguardia. En esta escena destacan las pioneras ESG, y también The Contortions, Konk, Yoko Ono, Lydia Lunch, Cristina, etc. Básicamente era una actitud musical que rechazaba el formato tradicional del rock ‘n roll (cuerdas, coros), e incorporaba también otras influencias como el Free Jazz y la música negra.